O Sovereign Portuguese Art Prize 2024

±MaisMenos± é um projeto de intervenção artística do artista plástico e designer gráfico português Miguel Januário, que começou como parte de uma tese académica em 2005 e que depois ganhou vida própria. Nas vésperas da comemoração do cinquentenário do 25 de abril de 2024, deslocou-se ao Largo do Carmo – o local mais simbólico da Revolução de Abril – e colocou, sem autorização, uma placa de mármore com dois cravos na fachada do Quartel do Carmo, onde se lia “Abril Mágoas Mil, 1974-2024”, transmitindo um misto de celebração e homenagem, de desolação e esperança, de princípio e fim.                                                                                                         

±MaisMenos± expôs internacionalmente em Urban (r)Evolution, Cordoaria Nacional, Lisboa, (2023), Forgotten – MACRO, Museu de Arte Contemporânea de Roma, Roma, (2016) e Um Panorama Urbano, Caixa Cultural Rio janeiro, São Paulo, (2014). O trabalho de ±MaisMenos± foi também apresentado na Coleção António Cachola, Museu de Arte Contemporânea de Elvas, Elvas, (2011), (2014) e foi artista residente pela Galeria Underdogs, galeria pela qual é representado, na Arco Lisboa (2018)

José Pedro Cortes é um artista visual que trabalha principalmente com fotografia. As fotografias de Cortes – sejam paisagens, retratos ou naturezas mortas – funcionam como um mapa de possibilidades visuais sobre a presença humana na vida contemporânea.  Como diz Cortes: “As minhas imagens refletem sobre um tempo de dúvida constante: impulso ou fabricação, vulnerabilidade ou força, superfície ou algo mais”. A Room before a Window, 2023, é uma fotografia de um quarto espartano, com uma cama um quadro de uma paisagem portuguesa. 

Exposições notáveis incluem One’s Own Arena, Museu da Eletricidade/MAAT, Lisboa, (2015), Costa no CGAC – Centro Galego de Arte, Contemporânea, Santiago de Compostela, (2015) e Um Realismo Necessário, MNAC – Museu Nacional de Arte Contemporânea, Lisboa, (2018).  

Marcelo Moscheta é um artista de base prática com referências conceptuais enraizadas. A sua investigação centra-se nas relações entre o Homem e o ambiente, e nas intervenções humanas como a deambulação e o caminhar. Ele vê os caminhos como desenhos. Os rastos de um povo antigo deixados no deserto ao longo de centenas de anos relacionam-se com a deslocação dos corpos no espaço, como um desenho sobre a superfície do planeta. A imagem de um antigo caminho sobre a Serra da Estrela é colocada em conjunto com o desenho de uma pedra e de uma pedra sedimentar (xisto). Este diálogo estabelece uma nova relação entre as escalas do tempo e do espaço. 

Exposições notáveis incluem, Teach Us To Sit Still, Colégio das Artes Universidade de Coimbra, Coimbra, (2022), 8a, Bienal Do Mercosul, Porto Alegre, (2011) e A HistÓria Natural E Outras RuÍnas, Galeria Vermelho, São Paulo (2028). Marcelo recebeu a bolsa The Pollock-Kranser Foundation, da The Pollock-Krasner Foundation, (2017) e teve seu trabalho publicado no livro Vitamin D2, New Perspectives on Drawing, da Phaidon (2013).  

Banquet utiliza uma técnica físico-digital única para fundir o nu reclinado com imagens holandesas de natureza morta, realçando as normas sociais de género e a objectificação das mulheres ao transformar o corpo num outro objeto no banquete. As flores misturam conotações sexuais e funerárias; a maçã sugere o pecado original e o pêssego, um símbolo moderno através de emojis, acrescenta um toque contemporâneo. A carne simboliza a mortalidade e a objectificação, enquanto o coelho, tradicionalmente um símbolo de esperança, aparece fetal e esfolado. As penas sugerem perturbação e o corpo, numa postura clássica de pin-up com unhas vermelho-sangue, esbate as linhas entre predador e presa.  

As exposições incluem Lesh & the Mirror – The Self-Image of Rebecca Fontaine-Wolf, Haus Kunst Mitte, Berlim, (2024); e Lost Girls, InFems Art Collective na Flowers Gallery, Londres, (2023). Foi-lhe encomendado um trabalho para Carolina Herrera para o Dia Internacional da Mulher (2022), falou na Hauser & Wirth com Herstory: Rebecca Fontaine-Wolf, Somerset (2019), e foi vencedora do Chelsea Arts Club Trust Award for MA Studies (2013). 

Circles of Reality and Transformation apresenta uma vibrante interação de formas circulares e cores contrastantes, evocando movimento e dinamismo. A composição, dominada por vermelhos intensos e verdes luminosos, cria tensão visual e atrai o espetador. As formas circulares sobrepostas sugerem continuidade e transformação, enquanto as camadas de cor acrescentam profundidade e complexidade. Contrastando entre o real e o abstrato, a obra explora a plasticidade do visível e convida à reflexão sobre a interligação entre a realidade e a expressão artística. 

O trabalho de Diana Costa tem ganho reconhecimento internacional, tendo sido exposto em Overseas: Quando a linha do horizonte não é suficiente, Fundação Cultural BADESC, Florianópolis, (2024); Porto/Cairo- Portugueses no Egito, Galeria Nahdet Misr, Cairo (2018); SWAB, Barcelona (2011); e JustMad, Madrid (2011). Foi galardoada com o 1º Prémio na BHF BANK Exhibition, Londres, (2002). 

Cure my S.A.D. 2 is a digitally embroidered piece that explores sentiments of hopelessness and a lack of future, juxtaposed with the ever-evolving realm of internet trends and personal utopias. S.A.D. stands for Seasonal Affective Disorder, and this linen canvas is a eulogy to the end of October and the beginning of November, a period of systematically established sadness and occasional feelings of entrapment, in a country that depends so much on the romanticisation of summer. In this work, Wasted Rita
considers the cyclical nature of this seasonal melancholy, and how being in a politically fragile country going through a housing crisis makes it harder to accept the cold.

Exhibitions include the solo presentation As Happy As Sad Can Be, Galeria Underdogs, Lisbon (2018) and group shows Eco-Visionários, MAAT, Lisbon (2023) and Bienal de Cerveira, Fundação Bienal de Cerveira, Vila Nova de Cerveira, (2023). She has completed the Bedstuy Art Residency, Funded by FLAD, New York, (2023), and her works were included at Banksy’s Dismaland, Weston-Super-Mare (2017).

A obra (ins.tan.tâ.ne.os) resulta de registos fotográficos de vários momentos das deslocações regulares que Conceição Abreu efetua entre casa e Lisboa, e que reitera através do desenho. Com um sentido háptico, a obra é gerada através da prática de fotografar e do ato de riscar/desenhar as imagens fotográficas que tiveram origem nesses momentos. Através do corpo que se move, regista e desenha, o espaço é percebido e recordado. A obra (ins.tan.tâ.ne.os) é, portanto, um conjunto de pequenos gestos que organizam a experiência sensível e conferem ao espaço percorrido um sentido de lugar.

O trabalho de Conceição Abreu foi exposto em A Line Made By Hand, Sociedade Nacional de Belas Artes de Lisboa, Lisboa (2023). De Fils Ou De Fibre, Centre d’Art Contemporain, Meymac, (2018); Nas Imediações Do Desenho, Galeria Carlos Carvalho, Lisboa (2014); e ENTRETEMPOS, Galeria Caroline Pagès, Lisboa (2013). O filme de Conceição …and around… and around… and around, co-criado com Carlos Coelho Costa, ganhou o prémio de Melhor Curta Experimental, Newborn Short Film Agency, 1st Edition, Berlim (2014). 

A prática de Paulo Arraiano relaciona-se com a ideia de sismografia visual, avaliando as vagas relativas a novos paradigmas naturais, sociais e culturais. Esta produção artística entrelaça-se com a sua investigação que envolve matéria e anti-matéria, e envolve o corpo, a paisagem e a tecnologia para abordar questões relacionadas com as alterações climáticas, a biosfera, a extinção, o transhumanismo, as diásporas naturais e humanas e o antropoceno. Aqui, através da impressão bidimensional de uma imagem, que remete para um fóssil natural ou artificial – algo previamente caracterizado pela sua matéria e tridimensionalidade – o artista questiona, em relação ao antropoceno, a imersão do ser humano num ambiente virtual distante da realidade física dos nossos corpos e do espaço natural que nos rodeia, habitando inúmeros lugares mas muitas vezes sem existir emocional ou materialmente em nenhum deles.  

Entre as suas exposições destacam-se A certain instance of verrition, Fundação Leal Rios (2023), Lisbon Becoming An Island, La Casa Encendida, Madrid. (2022) e Visual Natures, Museu MAAT, Lisboa (2022). Paulo ganhou reconhecimento internacional em Garden of Gods, Vellum, Los Angeles (2020). 

Para Isabel Sabino, a pintura e o desenho são os meios mais fecundos para tentar pensar com liberdade, sem os constrangimentos racionais da vida comum. Considera que existe, no máximo, uma imagem residual mental prévia, mal definida, que a pintura persegue e materializa à sua maneira. A formalização mais abstrata ajuda a encontrar um clima envolvente de cor, espaço e ritmo, para uma paisagem com figuras que definem escalas e, na ligação da sua ação com possíveis vozes, uma relação com a linguagem. Nesta pintura, a segunda de uma série, manchas pesadas e luzes de diferentes cores preenchem o espaço. Há mais duas figuras visíveis.  

O trabalho de Isabel Sabino tem sido exposto internacionalmente, na Quid, Centro Cultural de Cascais, Cas, (2024), Drawing Room, SNBA, Galeria Arte Periférica, Lisboa, (2023), Artfem, Women Artists, Bienal Internacional de Macau, Macau, (2020), A possible breeze, Sociedade Nacional de Belas Artes, Lisboa, (2019) e Portuguese Modern Art. 6 artistas, Museu de Arte Contemporânea de Minsheng, Pequim, (2017).  

Dream Speakers são diferentes esculturas que aludem a sonhos, som, fala e audição. O artista recolhe cabaças de vizinhos e de diferentes agricultores do país e, através de um processo de corte, colagem e pintura, cria diferentes peças/instalações. As cabaças estão historicamente ligadas à produção de instrumentos musicais e ao transporte de água e vinho. Neste caso, têm formas estranhas e viscerais, com pescoços alongados e deformações de crescimento. Dalila Gonçalves interessa-se por trabalhar com estes ‘erros’ formais mas também com as suas caraterísticas térmicas e acústicas na produção destas “promessas sonoras”.    

 As exposições de Dalila Gonçalves incluem The Grass is Always Greener, Museum of Contemporary Art, Roskilde, Dinamarca, (2014); Colunas de Ar, Galeria Quadrum- EGEAC, Galerias Municipais, Lisboa, (202); e Paper Routes, Women to Watch, National Museum of Women in the Arts, Washington, (2020). A sua obra encontra-se no Museu Coleçcão Berardo, Lisboa, (2020). Em 2018, realizou uma residência artística no Pivô Arte e Pesquisa, São Paulo.  

A prática de Francisco Trêpa investiga profundamente as relações simbióticas que sustentam os sistemas ecológicos e existenciais, utilizando uma variedade de materiais para criar esculturas que incorporam ideias de transformação, trânsito e transmutabilidade. Esta escultura é a primeira peça de um corpo de trabalho que o artista tem vindo a desenvolver nos últimos dois anos. Inspirada numa larva, a criatura no topo deste palco/fonte curva curva-se perante si própria, agarrando uma esfera negra. Esta obra foi um marco fundamental para o artista, abrindo as portas para a sua mais recente exploração artística.  

Exposições incluem Flor Cadáver, Galeria Foco, Lisboa (2024) Hiperderme, Museu Nacional de História Natural e da Ciência, Lisboa (2022); Feira de Arte ArcoLisboa, (2023); e Só porque foi, e voou, comissariado pelos alunos de Estudos Curatoriais da Universidade de Coimbra em parceria com a Fundação Millenium BCP, Umbigo LAB, Museu Nacional de Arte Contemporânea, Lisboa (2024). Em 2022, foi-lhe atribuído o Prémio Jovens Artistas, Fundação CarpeDiem Millenium BCP, P31 Lisboa.

 RitaGT é uma artista crítica e interventiva, abordando temas como a memória, a identidade ou a importância dos direitos humanos. Desde o século XIX, a cerâmica tem sido utilizada como um meio simbólico para a transmissão de uma possível identidade cultural portuguesa. Proveniente, muitas vezes, da esfera do trabalho doméstico e rural, a mulher encontra-se no centro da sua produção industrial e da circulação ideológica que lhe está associada. RitaGT vive e trabalha atualmente em Viana do Castelo, cidade onde a indústria cerâmica floresceu nas décadas de 1950 e 1960. Agora abandonadas, estas fábricas são testemunhas de um determinado período histórico e económico. É este resgate do simbolismo e da iconografia de um passado, deste património imaterial, que a artista promove ao desenvolver uma investigação materializada na produção de novos trabalhos em cerâmica, vídeo e apresentações performativas. 

As obras de RitaGT foram apresentadas na Bienal de Veneza para o Design, Veneza, (2022); Museu Duty Free, projectos especiais ARCO Lisboa, Lisboa (2019); eWe Shall Overcome!, Museu do Chiado, Lisboa (2015). 

Frame Collision (II) (2024) utiliza fotogramas de filmes que foram encontrados no domínio público, convertidos para digital e que, no processo, perderam alguma da sua legibilidade visual. As obras resultantes captam o segundo em que dois fotogramas dos vinte e quatro fotogramas que compõem um segundo colidem num só. Este fotograma é depois impresso pelo artista através da técnica do bicromato de goma, de modo a que o erro digital seja agora corporizado numa imagem produzida através de um método inteiramente manual que remete para os primórdios da fotografia e para as suas próprias frustrações em querer manter-se próximo da pintura e da sua singularidade.  

AnaMary Bilbao é bolseira da Fundação Calouste Gulbenkian para estudar artes visuais no estrangeiro (EUA), (2023 / 2024). O seu trabalho foi recentemente apresentado em More-than-Human – Perspectives on Technology and Futurity, com direção artística de Celina Brás, Galeria Avenida da Índia, Lisboa, (2024); Photo Basel, Basileia (2022); e na 13th edição do Prémio Novos Artistas da Fundação EDP, MAAT, Lisboa (2019)

Se eu soubesse rezar, saberia viver tem erros sistemáticos e percalços na forma e consistência da tinta, acrescentando um interesse desagradável no acabamento da pintura. Faz parte de uma série de 10 pinturas que se traduzem numa outra forma de rezar, como crenças que se materializam de forma ritmada, tal como a tentativa de entrar em transe através da oração. Com diferentes ritmos e cores que surgem quando nos apercebemos que é possível encontrar um elemento comum, com diferentes manchas em diferentes distâncias do mesmo elemento, ele próprio transforma e distorce o modelo original. 

As exposições individuais de Maria Luísa Capela incluem Rosais E Corais, Tormentas Carmim, Casa das Artes Bissaya Barreto, Coimbra, (2024), Haciendo Flores De Papel, Cellers, Lérida, (2023) e Verdecer Ao Sol, Galleria Spazio Nuovo, Roma, (2022). Venceu a XII Bienal Internacional de Arte Jovem de Vila Verde, Portugal, (2022) e o Prémio D. Fernando Ii – XV – Edição de Pintura e Escultura de Sintra, Museu das Artes de Sintra (2019). 

A obra Imitar o andar 1 de Nuno Sousa Vieira encontra eco em Apollinaire, mais concretamente numa frase do seu livro Os peitos de Tiresis: “Quando o homem quis imitar o andar, criou a roda, que não se parece com a perna, inventando, ainda que inconscientemente, o surrealismo”. Estas obras são o resultado de um surrealismo processual, um surrealismo do fazer, que ao desarticular a gramática e o vocabulário que o materializa, a perna deixa de ser um segmento reto, com um ponto de rutura no
joelho, e passa a ser uma linha ondulante, que encerra o seu início com o seu fim e que capta em si a emergência que é consequência do seu próprio movimento.

Exposições recentes incluem Canhoto as Zurdo, Kindred Spirit Project, Lisboa, (2024), Inhabitants ou Imitar o andar, CAI Galeria 3+1, Lisboa, (2023), Uma vida inteira, Banco das Artes Galeria, Leiria, (2021) e Um entre nós, Galeria Raquel Arnaud, São Paulo, (2022). Nuno teve uma residência artística na Josef & Anni Albers Foundation Sinthian, Senegal, (2023). 

Na obra de Ana Pais Oliveira, a linha e a geometria, aliadas a um uso obstinado da cor em todo o seu fascínio e desafio, servem uma intenção de desenhar lugares. A cor é um elemento fundamental que interage com a abordagem concetual da ideia de casa, enfatizando as questões sociais e relacionais da vivência humana, pois é cada vez menor a acessibilidade a lugares para viver com dignidade. O problema da habitação faz parte de uma série intitulada “O problema da habitação”, porque uma casa pode
ser “a coisa mais séria da vida”, como escreveu Ruy Belo.

As exposições recentes de Oliveira incluem as individuais Mil coisas ao mesmo tempo, CAA Guimarães, Centro para os Assuntos da Arte e da Arquitetura (2024); e Nunca fui capaz de construir uma casa, Galeria S. Mamede, Porto (2023). O seu trabalho foi incluído na exposição de finalistas do BBA Artist Prize, Kühlhaus Berlin, (2022) e recebeu o Primeiro Prémio no XLIX Concurso Internacional de Pintura Homenaje a Rafael Zabaleta, Quesada, Jaén, Espanha, (2019).  

O trabalho de Clara Imbert explora a relação entre as noções de realidade e ilusão, espaço e perspetiva, objeto e observador. Orgueil é uma série de imagens de um meteorito que aterrou na Terra em 1864 (França) e suscitou debates sobre o potencial de vida extraterrestre. Orgueil é um condrito carbonoso e a sua composição é idêntica à do Sol: esta matéria primordial formou o sistema solar há mais de 4 mil milhões de anos, sendo por isso ainda mais antiga. As imagens, que foram captadas através de um microscópio SEM com uma ampliação de 500.000, esbatem as fronteiras entre os mundos do micro e do macro, olhando tão longe no elemento que nos fazem lembrar as vistas aéreas de um satélite.  

 Exposições individuais incluem Signals from Afar, Galeria Foco, Lisboa, (2024) e De Profundis’ Hors-Cadre Gallery, Paris (2023). As exposições colectivas incluem a Feira de Arte Arco Madrid, Madrid (2024); a Feira de Arte Art Paris, Grand Palais Ephémère, Paris (2024) e No sonho do homem que sonhava, MNAC, Lisboa (2022). 

PACKAGE_PAINTING é uma pintura que envolve as expectativas do observador sobre o que deve ser uma pintura. Ao ultrapassar os limites do suporte da pintura, esta obra não aparece ao espetador como uma pintura tradicional ou mesmo como uma pintura propriamente dita. Com a ilusão de não ver uma pintura, mas apenas uma embalagem com informação sobre o que está no seu interior – a verdadeira pintura – o observador fica fascinado pela pintura como um truque de perceção e expectativas, desafiando tanto os critérios como o conceito do que define uma pintura. 

Entre as exposições de Rui Macedo contam-se Gaps, Rifts and other Artifices, Projeto Travessa da Ermida, comissariado por João Pinharanda, Lisboa (2021); Sfumato, Tabacalera, comissariado por Begoña Torres González, Madrid, (2019); (In)dispensável ou a Pintura que Perturba a Coleção do Museu, Museu Nacional de Arte Contemporânea, Lisboa (2019); e (Land)Scaping Normative Thinking, Fundação Millennium BCP, Lisboa, (2017). 

Desde criança que Mário Lopes é fascinado pela natureza, passando longos períodos de tempo a explorar a complexidade dos elementos que o rodeiam, tanto animais como plantas. Essa curiosidade e fascínio mantém-se até hoje, pois o artista tenta captar e compreender a estrutura das coisas, por vezes a um nível microscópico, absorvendo a fluidez das formas e replicando esse sentimento natural nas suas criações. Ao longo dos anos, coleccionou uma variedade de objectos naturais. Papaver Arca é um armário de papoilas que o artista tem vindo a recolher. Ao estudar a variedade de formas, a sua elegância inspira-o e, até agora, não encontrou duas iguais.  

Destacam-se as exposições PAPAVER, Project room do Banco das Artes, Leiria, (2023), Merging Aesthetics, Paju Book City, Coreia do Sul, (2013) e Merging aesthetics, Mimesis Art Museum, (2013). O trabalho de Mário foi apresentado na Tama Art University, Gallery K, Tóquio, (2012) e recebeu o 1º prémio no 4th Tehran Mimesis Museum, Paju Book City, Coreia do Sul, (2012).  

Nesta pintura, que faz lembrar uma Vanitas, uma mão segura um espelho. Quem está no espelho e quem o segura? O título Petite Camusette vem de uma canção de Josquin des Prez e reflecte uma ligação imaginada pelo artista entre a música e o século XV, que serviu de inspiração inicial para esta obra. A forma irregular desta tela a preto e branco é contrastada pelas linhas geométricas formadas pelas cordas de couro que fazem parte da própria obra e que contam para a sua medida.

O trabalho de Adriana Molder está publicado em Vitamin D2, New Perspectives on Drawing pela Phaidon (2013). Exposições incluem Serpentina, Escola das Artes, Porto (2023); e A Dama Pé de cabra, Casa das Histórias, Cascais (2012) com Paula Rego. Foi galardoada com o Prémio Herbert Zapp (2007) e as suas obras integram a coleção do Kupferstichkabinett, Berlim. 

A obra de Paulo Mendes caracteriza-se por uma diversidade de áreas (cinema, design, arquitetura, música, teatro, dança) e de suportes determinada por cada projeto – pintura, desenho, fotografia, vídeo, instalação e performance – reflectindo uma abordagem crítica ao contexto político, económico e social contemporâneo. A sérieTRÁFICO / TRÁFEGO (FREEZE FRAME) explora a mudança urbana nas cidades, focando espaços ambíguos e marginalizados na paisagem urbana, registando memórias de um passado pós-industrial e de um presente entregue à sobrevivência mínima. Questiona a reorganização do espaço público e urbano, onde a ordem, a regulação e a homogeneização são constantemente exigidas, comprometidas pelo património imobiliário. 

Exposições incluem S de Saudade, perfilado com medo, Centro Cultural Vila Floor, Guimarães, (2015), Germinal, Galeria Municipal do Porto, Porto (2018), MAAT Museu de Arte, Arquitetura e Tecnologia, Lisboa (2018) e QUADRUM 50 ANOS, Galeria Quadrum, Lisboa (2023). O seu trabalho está publicado em Provisional Instillations, Sistema Solar | Documenta, da autoria de Sandra Vieira Jürgens, (2016). 

 Recurring Thoughts, 2023-2024 faz parte de uma série modular em curso na qual telas repetidas e formalmente relacionáveis se encaixam, formando composições fluidas, inesperadas e, por vezes, de grandes dimensões. Os painéis contrastam na sua materialidade e intensidade visual. A forma como se tocam, intersectam e coexistem cria um espaço virtual “transparente” que não está exatamente presente. Esta não-relação ótica é capaz não só de destacar duas posições singulares, ou linhagens de pintura (da história da pintura abstrata) e objectos pictóricos, mas também de as sintetizar e formar uma terceira imagem. 

As exposições de Ana Cardoso incluem Ana Cardoso: Leaky Abstraction, MAAT- Museu de Arte, Lisboa (2023); AQUISIÇÕES 2021-2022, Núcleo de Arte Contemporânea da Câmara Municipal de Lisboa, Torreão Nascente da Cordoaria Nacional, Lisboa (2023); Ana Cardoso: Your Payment Verification Code Is 26QNFLU9, Renata Fabbri Gallery, Milão (2023) e Dark Safari – Obras da Coleção de Arte Contemporânea do Estado, Museu do Côa/Centro Cultural de Vila Nova de Foz Côa, (2023).

Aqui, na Le Corbusier Villa Savoye (1928), Rodrigo Oliveira traduz um fascínio pelos vestígios do modernismo e pelo estado atual de edifícios selecionados. A forma como são usados e permanecem no tempo ou no nosso imaginário através das imagens levou-o a realizar uma série de investigações e registos que à primeira vista parecem documentais mas não o são. Há um ponto de vista diferente que está sempre “ao lado” da imagem, uma outra dimensão com várias camadas implícitas (poética, metafórica, visual, simbólica, temporal). O seu trabalho situa-se num espaço de interstício entre a razão e a emoção.  

O trabalho de Rodrigo Oliveira tem sido exposto em Sexo, Escondidas e uma parede, Galeria Filomena Soares, Lisboa (2019); Utopia /Distopia Parte II _ MAAT Museu, Lisboa (2017); De lá Ville à lá Villa; Chandigarh Revisited, Le Corbusier Villa Savoye Poissy, Paris (2016); Projeto Parede, MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, Brasil, (2013) e A primeira pedra (e todas as outras mais), MNAC – Museu Nacional de Arte Contemporânea do Chiado, (2011). 

 Spillovers capta um momento lúdico e efervescente, em que duas figuras se encontram frente a frente, tentando beber de uma mangueira que está a jorrar água. Este momento de divertimento estival é congelado na tela, com pinceladas soltas e dinâmicas que sugerem movimento e fluidez e sugerem a sua efemeridade. Inspirado na leitura de Rita Natálio com o mesmo título, Spillovers celebra o prazer como uma forma de resistência, a alegria e a ligação íntima como fontes poderosas de informação, uma bússola vital de caminhos a seguir que inspiram as nossas acções e a nossa existência. Reflecte sobre a intersecção entre o corpo, o erotismo e a experiência somática, e os papéis que podem desempenhar no desenvolvimento de alternativas aos problemas ecológicos contemporâneos. 

 Juliana recebeu bolsas de residência Performing the Archive, Porto, (2024), Laboratório da Torre, Porto, (2023) e FLAD, EUA, (2022). Juliana recebeu o prémio de pintura do MNJC: Prémio Mostra Nacional Jovens Criadores gerados, Vila do Conde, (2023). A artista realizou ainda uma exposição individual na Singular Plural, Galeria Módulo, Lisboa, (2021). 

A Varanda caracteriza-se por explorar o processo e as marcas do tempo inscritas nas fotografias antigas. Os desenhos, no seu processo, descrevem as experiências relacionadas com o trabalho de fixação da imagem fotográfica – as imperfeições e descolorações inerentes aos resultados obtidos pelos autores que iniciaram e desenvolveram os processos fotográficos no seu tempo. Ao inserir no desenho a expressão visual desta antiguidade, o artista redefine a conceção do tempo na imagem desenhada, abrindo-se uma relação de semelhança entre o desenho e a fotografia, com vista a potenciar um discurso visual relacionado com a passagem do tempo e a memória.  

O trabalho de Rogério da Silva foi exposto em Apneia’ MU.SA, Museu das Artes de Sintra, (2023); ‘Il n’a pas que la taille qui compte, Anne + Art Contemporain, Paris (2022); e Medusa Scyphozo, Galerie Da-End, Paris, (2022). Recebeu um Prémio de Mérito da Faculdade Académica e Científica de Belas Artes da Universidade de Lisboa, Caixa Geral de Depósitos, (2015).

Maja Escher utiliza desenhos, objectos encontrados, dinâmicas colaborativas e métodos de trabalho de campo para desenvolver, pesquisar e criar instalações. Este trabalho surge de uma série de desenhos processuais de mutações interespécies, em que os seres se transformam e metamorfoseiam. Pessoas-árvores, pássaros que se transformam em pessoas-arcos, árvores que geram pessoas-frutos-criaturas. Esta série foi inspirada pela leitura do conto Children of Compost de Donna Haraway. Neste conto especulativo de ficção científica, a filósofa americana conta a história de uma comunidade que aprendeu a sobreviver numa terra ainda mais danificada do que a nossa, através da união e colaboração entre diferentes seres vivos que se transformam e crescem juntos para dar origem a uma nova forma de vida. 

As exposições recentes de Maja Escher incluem Manifesta 15, Barcelona Metropolitana, Barcelona, (2024), Mutaciones: Conexiones Excepcionales, Casas Museu Cervantes e Lope de Vega, Madrid, (2024), ARCOMadrid, Galeria MONITOR, Madrid, (2024) e CATHARSIS, Bienal de Design do Porto, Porto, (2023). Maja é atualmente artista ‘AIR’ em residência na Villa Waldberta, Munique, (2024-5). 

O trabalho de Pedro Barateiro procura compreender a forma como as narrativas ficcionais influenciam e manipulam o desenrolar dos acontecimentos que ocorrem à nossa volta. As mudanças de perceção de um mundo em crise ideológica e ecológica, que é o resultado de uma incapacidade de reagir e compreender o lugar em que vivemos.  O desenho faz parte de um grupo intitulado “Poemas para Turistas”. Os desenhos são cartas ou mensagens para o mundo, o ambiente, a natureza e aqueles que a habitam. O artista regressa a um tema que sempre existiu na sua obra: a paisagem, o horizonte, a opressão na representação, a tentativa de fuga e a procura da liberdade pessoal e colectiva dentro dos limites da linguagem.  

As exposições de Pedro Barateiro incluem Crying in Public, Kunsthalle Muenster (2023); Love Song, CRAC Alsace (2022); Theatre of Hunters, Kunsthalle Basel (2010); e Teoria da Fala/ Theory of Speech, Museu de Serralves (2009).   

As pinturas de João Gabriel são traduções íntimas de imagens retiradas de filmes pornográficos gay dos anos 70, bem como de experiências pessoais, e incorporam temas de desejo, perda e nostalgia. Desinteressado dos ideais contemporâneos de masculinidade e das suas representações, o artista recorreu à pornografia gay vintage como fonte de material para abordar a forma masculina. Esta revisitação da era pré-SIDA fala de uma noção de trauma herdado e de um desejo de questionar os limites da alegria, do medo e da sexualidade na cultura queer contemporânea.  

O trabalho de João tem sido exposto internacionalmente, incluindo I was looking at you and you couldn’t see me, O-Town House, Los Angeles, (2023), Por trás daquela Janela, Lehmann + Silva, Porto, (2022), Almost Blue, Kunstverein, Braunschweig, (2022), Nightfall, Mind Set Art Center, Taipei, (2021) e A place only we know, The RYDER projects, Madrid, (2021).  

Lux #1 é uma escultura baseada no mármore e numa praxis artística, a da escultura e da sua história. Enquanto objeto escultórico, centra-se na criação como aspeto essencial do objeto artístico, de uma forma poética que apela diretamente ao retorno dos sentidos. Permite um distanciamento contemplativo. O título desta Série Lux foi adotado a partir da qualidade atribuída ao melhor mármore de Paros, utilizado para emitir a luminosidade do Imperador Augusto na estátua que o deificou, qualidade essa que o colocava simbolicamente no firmamento. Nestas esculturas em mármore, Susana Piteira aborda a dimensão simbólica e a sua relevância na contemporaneidade para compensar a banalidade do quotidiano.  

 Exposições da obra de Susana Piteira incluem Bright as Silver, White as Snow, Museu do Oriente, Lisboa (2021); O impulso utópico, Galeria Fernando de Azevedo, Sociedade Nacional de Belas Artes, Lisboa (2019). Foi premiada com o 2º Lugar no Prémio Semana da Pedra III, Concurso Internacional de Escultura em Pedra, Torres Novas (1990). 

 Sem título faz parte da série “Casa das Palavras” de Jaime Silva, que remete para um momento particular da sua experiência pessoal, revelando o imaginário pictórico da sua infância. Como referências teóricas para a materialização desta obra, recorre a Heidegger, Vattimo, Argan e Peter Halley, artista influenciado por Baudrillard. A obra apresenta um espaço central, claramente delimitado por barras verticais de pretos e castanhos elaborados, permitindo a utilização de um jogo estrutural de células rectangulares fortemente delimitadas. Esta obra constitui-se assim como uma “rede de significações”, representando a “Casa das Palavras” como um lugar real e imaginado.  

O trabalho de Jaime Silva tem sido exposto desde 1976, incluindo a Exposição Casa das Palavras, Museu do Douro, Peso da Régua (2023); Pintura e Desenho 1966-2011, Sociedade Nacional das Belas Artes, Lisboa (2013); III Exposição de Artes Plásticas, Fundação Calouste Gulbenkian, Lisboa (1986); e Lis’81, Exposição Internacional de Desenho, Galeria Nacional de Arte Moderna (1981). 

As obras gestuais de Tomek Sadurski exploram intuitivamente a relação dos corpos no espaço, as leis da física e a transformação perpétua da energia no universo. Reflexões sobre a gravidade, a velocidade, a polarização, a relatividade, a atração e o equilíbrio formam composições e instalações – declarando-as um espaço de contemplação. Múltiplos desenhos e pinturas em papel, telas e têxteis tratados em conjunto criam um corpo de trabalho abrangente, resultado da investigação visual e da prática contemplativa e dançante orientada para o processo. Apoiado por anos de experiência em dança, Sadurski explora as tensões poéticas do seu objeto através de um híbrido de pintura e desenho, abordando-as como um teorema, ou um registo, de movimento.  

As exposições de Tomek Sadurski incluem mostras individuais na SCOPE, Miami, (2018, 2019) e ACCORDING to PHYSICS, Portugal, (2021, 2023, 2024). 

JAS desenvolve a sua atividade em vários campos artísticos, incluindo instalação, performance, vídeo, pintura, cenografia e desenho. run rabbit run serve como fuga para um espaço mais amplo da memória, traçando a infância e a presença. Capta motivos como papel de parede, manchas de humidade e conversas distantes, preenchendo a representação com temas contemplativos. Navegamos em tempos simultâneos: a utilidade social do “presente” e a impossibilidade de parar. A memória reforçada pode esbater experiências, conduzindo-nos a territórios de vazio. Este processo desenrola-se através da interpretação da realidade, marcada por manchas, riscos e sensações de incompletude.  

O trabalho de JAS tem sido mostrado internacionalmente; Europa, América do Sul e África. Exposições incluem O Mundo começa aqui, coleção Berardo, VOLTA Art Fair, Basel, (2024) e Cooperativa de Actividades Artísticas, Portugal, (2020). O seu trabalho foi apresentado na Ópera Blimunda de Saramago, Teatro Nacional São Carlos, Lisboa, (2023) e foi o autor da obra pública “Um Segredo Guarda o Mundo”, Grande Prémio de Literatura DST, Braga, Portugal, (2021). 

A prática de Luísa Jacinto lida com os protocolos da imagem, fragmentação e simulação narrativa, excesso de evidência e obscurecimento. Trabalha segundo lógicas processuais que são permanentes questionamentos dos limites da pintura, do desenho e da perceção. Cada obra da série “Estranhos” é constituída por membrana(s) de borracha que se dobra(m) sobre si própria(s), enriquecendo os efeitos criados pela transparência, opacidade e policromia do material. O suporte da pintura é indissociável das suas cores. É um corpo coeso, translúcido e maleável, de uma sensualidade tátil que permite variações de profundidade, sombra e ocultação, e a surpresa de um desenho interior feito por fios de cor endurecidos que surgem através deles. 

Exposições recentes incluem Shining Indifference, Sala do Cinzeiro 8, Lisboa, (2024), É o cenário que se move, Galeria Quadrado Lisboa (2022), e A ideia de voltar, Galeria Quadrado Azul, Lisboa, (2022). Luísa ganhou reconhecimento internacional numa exposição colectiva, na Fosun Foundation, The Bund, Shanghai, (2018). De salientar que Luísa foi a primeira artista local residente no AiR351 Lisboa, (2019).